ピューリッツァー芸術財団

はじめに

ピューリッツァー芸術財団は、日本人建築家・安藤忠雄の 米国初の公共プロジェクトである。 この施設は、芸術を直接体験することに重点を置き、歴史的作品から現代作品まで、有名な建築家の建物と対話するように作品を配置し、常に新しい感動的な体験と視点を提供している。 財団はまた、市民をアートに触れさせる市民的な要素になりたいと考えている。

この建物は一般公開されて以来、好意的な批評家の称賛を受けており、「世界最高の建築作品」とまで呼ばれている。 聖。 ルイ ルイス・サリバンのウェインライト・ビルがオープンした1891年以来」、そして「現代で最も優れた小規模美術館のひとつ」である。

状況

ピューリッツァー財団はワシントンDCのワシントン大通り3716番地にある。 聖。 ルイアメリカ、ミズーリ州。 グランド駅発の地下鉄青線か赤線、またはバスで行くことができる。 この地域のその他の文化施設には、シェルドン・コンサートホールとアートギャラリー、現代美術館がある。 聖。 ルイ.

コンセプト

この建物の設計を決定づけた要因のひとつは、プロジェクトに関わったさまざまな関係者、すなわちクライアントであるエミリー・ラウ・ピューリッツァー、建築家たちの関係である、 安藤忠雄芸術家リチャード・セラとエルズワース・ケリーは、ピューリッツァー夫人に雇われ、新しい財団のために恒久的な彫刻を制作した。 この提案が発展するまでの数年間、すべての関係者はアートギャラリーの基本的な要素はどうあるべきかについて対話を重ねた。

美術館のデザインは、建築と芸術作品の関係、そして前者が後者の知覚にどのような影響を与えるかに焦点を当てている。 したがって、建物の空間は、建築、アート、観客という3つの要素が相互作用するインタラクティブな場となる。

建築家が扱う主な素材は、光、幾何学、コンクリートである。 自然光は、それ自体を素材とは考えないかもしれないが、ここでは建築的な資源として使われ、私たちの空間体験や芸術作品の視覚に非常に顕著な影響を与える。 一日を通して変化する光は、空間を一変させ、ピューリッツァー財団を訪れる文化体験全体に豊かさを加える。

建物のデザインにおけるもうひとつの主要素材であるコンクリートは、デカルト幾何学によって建築の有形部分を定義している。安藤忠雄は、単に依頼されたプログラムをこなすだけでなく、興奮させる空間を創造している。 建築家は、空間のプロポーションと関係性によって、こうした効果を実現している。

「高い部屋に入るスリルを高めるには、別の低い空間との関連性を体験する必要がある」-安藤忠雄

財団で最も重要なスペースのひとつが、建物中央のリフレクティング・プールである。 このプロジェクトに不可欠な2つの要素、光と反射が組み合わされている。 この空間を通して、光は直接、あるいは水に反射して、建物の内部空間に届く。 さらに、この空間はアートと都市環境の融合点として機能し、来場者に両者の関係について考えるよう促す。

「私は、建築物はそれ自体で存在することはできないと思っています。建築物が周囲に与える影響を考慮して設計しなければなりません」 –安藤忠雄

その意味で、この財団は成功であり、市中心部の荒れ果てた地域を活性化させ、その周辺にCAMやPXSTLといった他のアートセンターを設立することにつながった。

ほとんど住宅のような規模のこの美術館では、全体のデザインとの関係や一貫性を保ちながら、それぞれの空間が異なる性格を持っている。 プロジェクト全体としても、建築と素材の両面でミニマリズムを追求している。

自然光が届かない下階の美術館の拡張部分は、上階のスペースと対をなすものである。 一日中、光が流れ、変化する場所もあれば、人工的な照明がコントロールされている場所もある。

歴史

このプロジェクトは、1990年代にエミリー・ラウ・ピュリッツァーとジョセフ・ピュリッツァー・ジュニアが、一家のアートコレクションを展示するスペースを作ろうと考えたことから始まった。当初は、衰退しつつあった歴史的な街の中心部を活性化させるために、古い自動車工場を新しいギャラリーに改装することが考えられていた。ジョセフ・ピューリッツァー・ジュニアの死後、プロジェクトがまだ初期段階にあった頃、事業全体が再検討された。エミリー・ラウ・ピューリッツァーは新しい場所を探し、最終的にグランド・センター地区の土地を購入した。 聖。 ルイ.

1991年にギャラリーの設計を建築家の安藤忠雄氏に依頼し、10年の歳月をかけて設計を変更し、2001年10月にピューリッツァー芸術財団がオープンした。 また、このプロジェクトには、次のクライストナー建築事務所も参加している。 聖。 ルイこのプロジェクトは、プロジェクト・マネジメント・システムに基づいており、技術的な設計問題のサポートや、建設に関する書類作成や管理を行なっている。

このプロジェクトでは、建築家は2人のアーティストの作品を念頭に置いて仕事をしなければならなかった。 エミリー・ラウ・ピューリッツァーは、リチャード・セラとエルズワース・ケリーに、財団のために2つの常設彫刻の制作を依頼していた。 安藤忠雄にとってこのプロジェクトは、彼自身の言葉を借りれば、「建築とは何か、創造するとは何かを考え直すきっかけとなった刺激的な経験」であった。

この建物は落成以来成功を収め、2003年AIAセントラルステーツ名誉建築賞、2003年AIAセント・ピーターズバーグ建築賞、2003年AIAセント・ピーターズバーグ建築賞、2003年AIAセント・ピーターズバーグ建築賞を受賞した。 クラフトマンシップに対するセントルイス名誉賞、2002年AIAセントルイス名誉賞。 セントルイス建築栄誉賞と2001年ACIコンクリート賞評議会がセントルイス建築栄誉賞と2001年ACIコンクリート賞評議会を受賞した。 ルイだ。

2014年から2015年にかけて、財団は下の階を公共スペースと展示スペースに改装し、建物の展示面積を約50％増加させた。 これらの作品のために、安藤忠雄とクライストナーは再び呼ばれ、465平方メートルの空間を2つのギャラリー、トイレ、記念碑的なコンクリートの大階段に再構成した。

スペース

外部

外から見ると、建物は閉じたボリュームと平面の集合体として認識される。 その意味で、この建物は周囲からほとんど閉ざされた、やや内向的な建物である。 ギャラリーへのアクセスはワシントン通り沿い。 そこからスロープと階段を上がると、リチャード・セラの彫刻「ジョー」がある中庭に出る。 この中庭では、小さなコンサートや映画の夕べなど、年間を通じてさまざまな催しが行われている。

反射池

建物の両翼の間にはリフレクティング・プールがある。 56,781リットルの水が入っている。 池の端が見えないように作られているため、水が何にも囲まれていないように見え、そこに空と建物が反射しているのが強調されている。 しかし、池は無限ではなく、池の端に落ちた水は暗渠に集められ、回路を通って濾過され、池に戻される。 このスペースの隣には、スコット・バートンの彫刻作品『ロック・セティー』がある。

内部

ピューリッツァー財団は現在2,973平方メートルの敷地を有し、そのうち2,508平方メートルが元の建物、465平方メートルが2015年に行われた増築部分である。 建物は池を囲むように配置され、コの字型のフロアプランには展示スペース、図書館、オフィスがある。

建物の東棟は2階建てで、長さ51.8メートルの大きなメインギャラリーがある。 階建ての西棟には、サービススペースと小部屋、ルーフガーデンがある。

建物の中央のコアは2つの棟の接合部に位置し、ホワイエと大階段がある。

下の階に新しい展示スペースが加わり、既存の展示スペースとつながることで、建物内に新たな回遊性が生まれた。 池を囲む上階スペースの回遊式旅程は、現在では下階エリアで終わり、個別の展示ができるように設計されている。

上層階は、変化する自然光と、それが建築物や芸術作品に与えるダイナミックな効果が特徴だ。 対照的に、日差しが届かない新しい部屋は、静謐な空間としてデザインされている。 新しいホワイエは、記念碑的な大階段を介してこの2つの空間をつないでいる。

芸術作品

財団には古典と現代の芸術作品がある。 また、この建物の特定のエリアのために特別に制作された作品もいくつかある。 これらの施設では、アーティストと建築家が協力し、建築とアートの両方を体験できるように工夫されている。

ロック・セット

スコット・バートンによるこの彫刻は1988年から1990年にかけて制作されたもので、財団設立の翌年から恒久的に展示されることになった。 リフレクティング・プールの隣に位置し、建物の近代的な建築様式とは対照的に、ほとんど歴史的な名残のような佇まいを見せている。 しかし、作品に近づくと、5トンの花崗岩の彫刻の不規則な境界線が、プールの景色を眺めることのできる座席に変わっているのがわかる。 こうして彫刻は中庭の瞑想的な空間を補完し、記念碑的なものと矮小なものとの間に対話が生まれ、来館者はそれを体験することができる。

ジョー

リチャード・セラは1999年にこの作品を制作し、その数年前に亡くなったジョセフ・ピューリッツァー・ジュニアへのオマージュとして「ジョー」と名付けた。この彫刻は、風化した鋼鉄（一般的にはコルテン鋼と呼ばれる）で作られた3つのねじれた螺旋のシリーズの一部である。この作品は、財団の入り口の中庭に設置され、建築の冷たく直交するフォルムと対照をなしている。 安藤忠雄は、静的なコンクリートと変化する有機的なシルエットのスチールを対比させている。 作品の曲線は、空の眺めを縁取る内部空間へと観客を導く。

ブルー・ブラック

2000年にデザインされた画家、エルズワース・ケリーのこの作品は、メインギャラリーの垂直な壁面のために特別に制作された。 作品はペイントされた2枚のアルミニウム・パネルで構成されている。 彫刻の大きさは、来場者の注意を引くには十分な大きさであり、設置された空間との比率を保つには十分な小ささである。 その強調された幾何学模様と光との位置関係によって、ギャラリーの純粋な空間ではほとんどトーテムのように見える。

構造

ピューリッツァー財団の構造は、この作品の特徴である洗練された仕上げを実現するため、特殊な型枠を使って作られた現場打ちコンクリートの壁と柱で構成されている。 施工の過程は、壁面に残る型枠の留め具の跡を見ればわかる。

材料

慣れ親しんだ技法に安住することなく、常に実験を求める安藤忠雄は、このプロジェクトでコンクリートの物質的限界を探求している。

建築家がこの素材に興味を持ったのは、マルセイユにあるル・コルビュジエの ユニテ・ダビタシオンを訪れたことがきっかけだった。 この作品に見られるダイナミックな効果から、彼は素材を実験的に使い、彼の作品の特徴である絹のような仕上がりを実現し、さらなるレベルへと引き上げた。

このような結果を得るために必要な技術は、当時のアメリカではほとんど使われていなかったため、建築家は専門的で高度な技術を持つチームを獲得しなければならなかった。 最終的に、3,800m3以上のコンクリートが建設現場で使用された。

建物のミニマリズムは素材の選択にも及んでおり、建物はほとんどコンクリートで造られている。 洗練された仕上げ、自然光の利用、手すりや人工照明などのすっきりとしたデザインなど、ディテールへの特別な関心がうかがえる。

上層階の床は磨き上げられたコンクリートで、下層階は木で、空間に温かみを与えている。 部屋は床のグリルで空調されている。 コンクリート要素以外の内装の素材は、白いパーティションと偽天井だけで、建物全体のミニマリズムと調和している。

外観もコンクリートが主流だ。 直線的で整然としたラインが、舗装のボリュームと目地の両方を形作っている。